Eye in the Sky ha fornito all’Alan Parsons Project il loro primo successo nella Top Ten da I Robot del 1977, ed è difficile non sentire che il successo crossover sia stata una delle forze trainanti dietro questo album. Il Progetto non si è mai allontanato dai ganci, sia che fosse sul funk bianco teso di “I Wouldn’t Want to Be Like You” o sui scintillanti ganci pop di “Games People Play”, ma Eye in the Sky era morbido e liscio, così fluido che era facile ignorare che il narratore della title track era un inquietante onnisciente che spiava il suo amante o la sua popolazione , a seconda di quanto profondamente si volesse approfondire i concetti di questo album. E, a differenza di I Robot o The Turn of a Friendly Card, è possibile ascoltare Eye in the Sky e non soffermarsi sui temi più grandi, dal momento che sono usati come base, non spinti al centro della scena. Ciò che domina è la rigogliosità del suono, la dolcezza della melodia: questo è un album soft rock fino in fondo, che parla di ganci melodici e texture. Nel caso della spacy che ha aperto salvo “Sirius”, più tardi sentito nei talk show sportivi in tutta l’America, o “Mammagamma”, era tutto strutturato, poiché questi strumenti hanno impostato l’umore trippy ma caldo che le canzoni pop hanno sostenuto. E la vera differenza con Eye in the Sky è che, ad eccezione di quegli strumentali e della suite galoppante “Silence and I”, tutta l’artiness faceva parte dell’idea di questo album che è stato spinto nei testi, quindi l’album suona come un album soft pop — e molto, molto buono in questo. Forse niente è così squisito come la canzone del titolo, eppure “Children of the Moon” ha un’andatura rettamente (non tutta così dissimile da “Heart to Heart” di Kenny Loggins), “Psychobabble” ha un bordo propulsivo luminoso (non tutto così dissimile da 10cc), e “Gemini” è il progetto al suo meglio. Tutto si somma probabilmente all’album più coerente di Alan Parsons Project — forse non in termini di concetto, ma in termini di musica non sono mai stati così soddisfacenti come lo erano qui.
Per certi versi, For Free suona come il culmine del periodo viola di fine carriera di David Crosby. Lavorando ancora una volta con James Raymond - suo figlio, che si è rivelato un produttore insolitamente empatico e intuitivo - Crosby scava un territorio simile a quello dei dischi che ha pubblicato dopo Croz del 2014, ma For Free contiene una sua vibrazione distintiva. È più liscio, per esempio, senza la […]
