Le donne che hanno plasmato il mondo della musica.

La Giornata Internazionale della Donna si celebra l’8 marzo di ogni anno, quindi questa settimana, stiamo mostrando dieci influenti donne musiciste che hanno fatto luce per tutte le altre che seguono.

Billie Holiday

Gratta qualsiasi cantante jazz di oggi e troverai uno strato di Billie Holiday sotto. Lo stile distintivo della Holiday ha cambiato la musica per sempre, e non solo il jazz. Con la sua voce sottile e la sua gamma limitata di poco più di un’ottava, Billie era fatta di materiale molto diverso, e apparentemente più limitato, rispetto ai suoi contemporanei, ma ciò che portava era l’onestà emotiva, resa ancora più toccante per la sua consegna discreta.

Dalla sua nascita nel 1915 a Filadelfia come Eleanora Fagan, la Holiday ebbe un’infanzia travagliata, a partire dalla partenza poco dopo la sua nascita del padre chitarrista jazz e dall’essere lasciata per lunghi periodi dalla madre con la sorellastra a Baltimora. Vivendo in estrema povertà, la Holiday si ritrovò in riformatorio a nove anni e abbandonò la scuola a undici. Dopo aver lavorato facendo commissioni in un bordello a dodici anni, la Holiday si trasferì con la madre ad Harlem, dove alla fine fu arrestata a 14 anni.

Il canto fu una tregua dai problemi di Billie, e la portò a esibirsi nei jazz club di Harlem, dove nel 1933 fu scoperta dal produttore John Hammond, che rimase colpito dal suo stile unico e lento, che portava un nuovo carattere soul alle melodie stabilite. Da lì, le opportunità di lavorare con grandi come Benny Goodman, Duke Ellington e Count Basie la portarono all’attenzione di un pubblico più ampio. Le sue registrazioni con Teddy Wilson in particolare sono considerate tra i grandi del canone jazz.

Conosciuta affettuosamente come “Lady Day”, la Holiday fu anche una pioniera in altri modi, anche come autrice di canzoni in tempi in cui era considerato insolito per una donna (con classici come “God Bless the Child” e “Don’t Explain”).

Ebbe anche il coraggio, raro ai suoi tempi e ancora più raro per una donna, di fare dichiarazioni politiche attraverso la sua musica, in particolare con “Strange Fruit”, una canzone bruciante e commovente sui linciaggi nel Sud americano.

Anni di problemi con la droga e l’alcol hanno posto fine alla sua vita a soli 44 anni, ma i suoi ammiratori vedono ancora oggi la sua vita come un esempio di come ci si possa elevare al di sopra dei propri problemi cantandoli. Accedendo al suo cuore di tenebra ha toccato i cuori da allora.

Patsy Cline

Nonostante la sua breve vita, la stella di Patsy Cline è una delle più brillanti nel cielo di Nashville. Sono bastati pochi anni, dalla fine degli anni 50 alla sua morte in un incidente aereo nel 1963, per trasformare l’influenza delle donne nella musica country e oltre.

Nata Virginia Patterson Hensley nel 1932, a Winchester, Virginia, Patsy ebbe i suoi problemi d’infanzia (anche se non così drammatici come quelli di Billie Holiday), con suo padre che la lasciò quando aveva quindici anni. Soffrì di febbre reumatica a tredici anni, anche se questa fu una sorta di benedizione mascherata, influenzandola in un modo che la aiutò a sviluppare una ricca voce da contralto. Lasciando la scuola per aiutare a mantenere la famiglia quando suo padre se ne andò, lavorava di giorno e cantava di notte. Dopo dieci anni di duro lavoro nel circuito locale di musica country, ebbe la sua grande occasione cantando “Walking After Midnight” in “Arthur Godfrey’s Talent Scouts” sulla televisione CBS nel 1957. Lo show le diede un’esposizione che andava oltre la limitata scena country fino ad un pubblico pop più ampio. La canzone, che lei inizialmente liquidò come “solo una piccola vecchia canzone pop”, piacque agli spettatori più giovani che la spinsero in alta rotazione sulle stazioni radio popolari e creò uno dei primi veri successi crossover.

Seguirono altri successi come “I Fall to Pieces” e il classico “Crazy”. Si unì ad artisti del calibro di Johnny Cash e Willie Nelson nel diventare stelle al di fuori della musica country, ma fu la prima donna a farlo. Ha incoraggiato e nutrito molte altre cantanti donne. Si fece anche la reputazione di essere una persona d’affari forte e indipendente che poteva trattare con i personaggi più duri della dura scena di Nashville.

La sua vita professionale è stata una serie di prime volte: la prima cantante country donna ad esibirsi alla Carnegie Hall, la prima donna inserita nella Country Music Hall of Fame (postuma nel 1973), e la prima star country donna a dirigere il proprio show. È stata anche la prima e più importante influenza di generazioni di cantanti country donne.

Aretha Franklin

Se Billie e Patsy furono responsabili dell’elevazione del posto delle donne nel loro genere e persino dell’elevazione del genere stesso, Aretha Franklin potrebbe addirittura essere considerata la creatrice del suo stesso genere.

Aretha è nata a Memphis, Tennessee, nel marzo 1942, da un padre predicatore battista e una madre cantante gospel. La sua prima vita è stata immersa nella musica. Si esibì con il revival show itinerante di suo padre, e i suoi sermoni ad alta energia attirarono molti grandi cantanti gospel e altre celebrità. Dopo che sua madre morì quando Aretha aveva solo nove anni, fu sostenuta da Mahalia Jackson. Con l’assistenza del padre, iniziò una carriera come cantante gospel, ma presto volle seguire le orme di un altro amico di famiglia, Sam Cooke, che stava esplorando l’idea di passare dal gospel al pop. Un contratto discografico seguì presto, e man mano che si addentrava negli stili soul e R&B contemporanei, il suo successo cresceva. Ma fu quando firmò per l’Atlantic Records nel 1967 che si mise veramente in luce, dato che fu in grado di fare appello alle sue radici gospel, sprigionando un’enorme passione dalla sua potente voce in classici come “Chain of Fools” e la sua canzone simbolo, “Respect”, che raggiunse il numero 1 sia nelle classifiche R&B che in quelle pop.

La carriera della Franklin è stata stellare da allora, diventando una delle artiste più vendute di tutti i tempi, la prima artista donna ad essere inserita nella Rock & Roll Hall of Fame (nel 1987), la vincitrice di ben 18 Grammy Awards, raggiungendo il numero 1 nella lista di Rolling Stone delle più grandi cantanti di tutti i tempi, e persino facendo dichiarare la sua voce una risorsa naturale dallo stato del Michigan.

Sarebbe difficile immaginare un’artista più rispettata di Aretha Franklin. La sua voce avvincente ha definito la musica soul e ha ispirato innumerevoli altri artisti, da Annie Lennox a Whitney Houston a Christina Aguilera.

Carole King

L’eredità di Carole King è facile da sottovalutare, forse in parte perché gran parte di essa è dietro le quinte. È nata Carol Klein nel 1942 a Manhattan. Ha imparato il pianoforte dall’età di quattro anni e a 17 ha incontrato Gerry Goffin, che sarebbe diventato suo marito e coautore. Quando lei rimase incinta a 17 anni, entrambi lasciarono il college e lavorarono di giorno, sviluppando la loro scrittura di notte. Trovarono l’oro quasi immediatamente con “Will You Love Me Tomorrow” per le Shirelles, che divenne il primo successo n.1 per un gruppo di ragazze nere. L’incredibile serie di successi che seguirono includono “Take Good Care of My Baby”, “The Loco-Motion”, “Up on the Roof”, “One Fine Day”, “I’m Into Something Good”, e la magistrale “You Make Me Feel like a Natural Woman”, resa famosa da Aretha Franklin.

Per tutto questo tempo la King nutrì l’ambizione di una carriera da cantante, ottenendo un successo negli anni ’60 come cantante con “It Might as Well Rain Until September”. Ma nel 1971 sfondò con l’album Tapestry, una riflessione profondamente personale sulla sua vita, che colpì i tempi. Per la prima volta per un’artista femminile, Tapestry vinse tutti e tre i principali Grammy Awards per il disco, la canzone (per “You’ve Got a Friend”) e l’album dell’anno, così come la migliore voce femminile per “It’s Too Late”. Con più di 25 milioni di unità vendute, Tapestry rimase in classifica per sei anni e fu l’album più venduto da un’artista femminile per un quarto di secolo.

Spirito creativo irrequieto, la King ha continuato a scrivere, esibirsi e collaborare ampiamente, ma la sua vera eredità è vista attraverso innumerevoli cantautori che apprezzano la musica pop come la vera forma d’arte che è.

Joni Mitchell

Se hai attraversato un periodo di sconvolgimenti emotivi negli anni ’70, probabilmente hai pianto su più di una canzone di Joni Mitchell. La sua è sicuramente una delle voci più personali della musica, e non ha mai evitato di correre dei rischi, sia a livello emotivo che musicale.

Mitchell è nata Roberta Joan Anderson ad Alberta, Canada, nel 1943. Ha iniziato a cantare per motivarsi a guarire dalla poliomielite contratta all’età di 8 anni. Ha cantato nei club folk e ha suonato in giro per il Canada prima di trasferirsi negli Stati Uniti nel 1965. La sua voce alta e delicata e i suoi testi poetici la fecero apprezzare dalla scena folk, e altri artisti furono attratti da canzoni come “Both Sides Now” e “Circle Game”. Divenne un simbolo del movimento hippie con canzoni come “Woodstock” e “Big Yellow Taxi”. Ma il mondo delle semplici melodie basate sul folk non era abbastanza per contenere la sua irrequieta creatività, e con ogni nuovo album si avventurava sempre più in un territorio inesplorato, esplorando stili pop, jazz e world e arrangiamenti intricati, senza mai perdere il suo senso di intimità. La sua voce è cambiata drasticamente nel corso degli anni, scendendo a un contralto fumoso che ben si adatta al jazz, e ha ispirato grandi interpretazioni da parte di artisti del calibro di Herbie Hancock.

Un’artista veramente multi-talento, la Mitchell è la donna più in alto nella lista dei 100 più grandi chitarristi di tutti i tempi della rivista Rolling Stone, grazie in parte alla sua esplorazione delle accordature aperte. Anche al pianoforte non è da meno. Produce la sua musica e i suoi apprezzati dipinti abbelliscono molte delle copertine dei suoi album.

Si è guadagnata il rispetto dei critici di tutto il mondo e ha una sfilza di premi a suo nome, ma questo conta poco per la maggior parte dei suoi ascoltatori. Se sei un fan di Joni, ti senti come se facesse parte della tua vita, un confidente che sembra quasi conoscerti meglio di te stesso. Non ci potrebbe essere un maggior esponente del potere di guarigione della canzone.

Dolly Parton

Dolly Rebecca Parton (nata nel Tennessee il 19 gennaio 1946) deve senza dubbio molto all’eredità di Patsy Cline, ma ha portato la sua celebrità ad un altro livello.

Quarta di dodici figli, la Parton ha iniziato la sua carriera di cantante in giovane età, apparendo alla radio e alla TV all’età di dieci anni e trasferendosi a Nashville a 18. Ha iniziato la strada verso la vetta scrivendo per altri artisti country, ma alla fine degli anni ’60 ha trovato il successo cantando duetti con il conduttore televisivo Porter Wagoner, seguito negli anni ’70 da successi come solista, in particolare con “Jolene”, un successo crossover mondiale nel 1973. Da lì, ha abbracciato le classifiche pop, trovando un enorme successo con “9 to 5”, dal film in cui ha anche recitato, e “Islands in the Stream” con Kenny Rogers.

Le sue canzoni furono riprese da pop star come Olivia Newton-John e Linda Ronstadt. Notoriamente, Elvis Presley voleva registrare la sua canzone “I Will Always Love You”, ma quando il suo manager Colonnello Tom Parker chiese la metà dei diritti di pubblicazione, lei rimase fedele ai suoi principi e rifiutò l’offerta. Fu vendicata quando nel 1992 la canzone fu cantata da Whitney Houston nel suo film “The Bodyguard” e divenne una delle canzoni più vendute di tutti i tempi, entrando nella top 3 di Billboard tre volte.

Secondo Wikipedia, la Parton è l’interprete country femminile più onorata di tutti i tempi. Raggiungendo 25 premi RIAA certificati oro, platino e multi-platino, ha avuto 25 canzoni che hanno raggiunto la posizione n. 1 nella classifica Billboard Country, un record per un’artista femminile. Ha 41 album country top 10 in carriera, un record per qualsiasi artista, e ha 110 singoli in classifica negli ultimi 40 anni. Le vendite complessive di singoli, album, raccolte di successi e download digitali durante la sua carriera hanno superato i 100 milioni in tutto il mondo.

Ha vinto otto Grammy Awards, due nomination agli Academy Award, dieci Country Music Association Awards, sette Academy of Country Music Awards, tre American Music Awards e 46 nomination ai Grammy.

Se ciò non bastasse, la Parton ha avuto successo nel cinema e nella televisione, ricevendo nomination ai Golden Globe, ed è una rispettata filantropa, in particolare attraverso la sua Dollywood Foundation. Diminutiva ma più grande della vita, Dolly è un’ispirazione dentro e fuori il mondo della musica.

Madonna

Nessuno ha fatto più di Madonna per inaugurare un’era senza precedenti di autodeterminazione per le donne di spettacolo. Il suo impegno incrollabile per l’autonomia artistica e la consapevolezza del business ha reso possibile un’epoca in cui le donne nella musica sono prese sul serio, anche al di là di una durata della vita dipendente dal marketing della giovinezza e della bellezza.

Nata nel Michigan nel 1958, Madonna Louise Ciccone era una persona di alto livello che eccelleva nella danza, ma ha lottato a casa dopo la morte della madre quando lei aveva cinque anni. Nel 1978, è partita per New York con 35 dollari in tasca e ha trovato la sua strada nelle band come corista e ballerina. Dopo aver firmato con la Sire Records come artista solista, ha fatto rapidamente breccia nella scena dei club e poi nel mainstream con il singolo di successo “Holiday”. Fin dall’inizio fu una trendsetter, scrivendo il proprio materiale in un mondo dominato da produttori influenti, esplorando nuove tecnologie musicali e sviluppando uno stile visivo molto imitato che esemplificava gli anni ’80.

Tuttavia, non si è mai stabilita in una singola direzione, ricercando costantemente nuovi stili, spingendo i confini con qualsiasi cosa abbia fatto, con una nuova direzione ad ogni nuovo album e con numerose attività collaterali, tra cui la recitazione, la scrittura e la realizzazione di film.

Nel contenuto dei suoi libri e video non ha mai evitato la polemica. È stata anche una campionessa di indipendenza creativa e finanziaria, fondando la Maverick Records e molte altre iniziative commerciali, compreso un accordo da 120 milioni di dollari con Live Nation che ha cambiato il gioco finanziario per gli artisti del 21° secolo.

Non si diventa l’artista femminile più venduta della storia senza talento e audacia. Madonna ha raggiunto quell’apice a modo suo, senza compromessi.

Bjork

Forse è qualcosa nei geyser, ma la piccola nazione dell’Islanda (325.000 abitanti, tutti musicisti pop a quanto pare) è stata un crogiolo per alcuni degli sperimentatori musicali più avventurosi. Il più famoso di questi è Björk.

Björk Guðmundsdóttir è nata a Reykjavik nel 1965. I suoi genitori si sono separati quando è nata e lei è cresciuta con la madre attivista in una comune. Nel crogiolo della scena musicale di Reykjavik, l’adolescente Björk si unisce a numerosi gruppi che esplorano il punk, la fusion, il goth e la musica sperimentale e comincia a sviluppare la sua tecnica vocale, trovando infine un veicolo adatto nel gruppo post-punk The Sugarcubes. Il loro primo singolo, pubblicato il giorno del ventunesimo compleanno di Björk, e chiamato appunto “Birthday”, mise in mostra la sua straordinaria voce, passando da tenera e fragile a gutturale e stridente, e divenne un successo alternativo internazionale nel 1987.

Dopo lo scioglimento degli Sugarcubes, Björk iniziò a sviluppare una carriera da solista ed esplorò più profondamente il campionamento, il looping e altre possibilità tecnologiche, trasferendosi a Londra per lavorare con collaboratori all’avanguardia. Sviluppò una mentalità multimediale, assumendo registi video innovativi e creando sontuosi e complessi spettacoli teatrali. Il suo album da solista, “Debut”, è stato ampiamente acclamato, generando singoli come “Human Behaviour” con il suo video seminale del premio Oscar Michel Gondry. Ogni album da allora ha aperto nuove strade. Nel 2011, il suo “Biophilia”, che esplora il nesso tra natura e tecnologia, è stato il primo album sotto forma di una collezione di applicazioni, compresi i programmi interattivi che permettono all’utente di creare la propria musica o di remixare le sue canzoni, e anche un programma educativo di accompagnamento. Nel 2014 queste app sono state le prime ad essere inserite nella collezione permanente del Museum of Modern Art.

Inoltre, Björk ha esplorato la recitazione, compresa la sua premiata performance in “Dancer in the Dark” (che ha anche segnato), l’attivismo e la poesia, ed è un’instancabile sostenitrice di altri artisti.

Con i suoi spettacolari spettacoli sul palco, i suoi costumi spesso bizzarri e la sua musica impegnativa, Björk è troppo fuori dal campo per alcuni, ma sono gli artisti come lei che aprono la strada ad artisti più tradizionali da esplorare. E la versatilità e l’impatto viscerale di quella voce sono innegabili.

Missy Elliott

Nel mondo dell’hip-hop, dominato dagli uomini, Missy Elliott è una boccata d’aria fresca e ha goduto del tipo di successo solitamente associato agli artisti maschi.

Nata Melissa Elliott a Portsmouth, Virginia nel 1971, è sopravvissuta a una vita familiare povera e abusiva, fuggendo da suo padre insieme a sua madre all’età di 14 anni. Nei primi anni 1990, si è trasferita con il suo amico d’infanzia Timbaland a New York, dove hanno condiviso una casa con oltre 20 artisti che la pensavano come lei. Le interazioni e le collaborazioni all’interno del gruppo favorirono le sue abilità come autrice di canzoni e produttrice, e lei e Timbaland ottennero il loro più grande successo producendo e facendo da ospiti nell’album di doppio platino “One in a Million” di Aaliyah. Seguì un turbinio di opportunità, inclusa una lista crescente di apparizioni come ospite, prima che lei lanciasse la sua propria impronta e cominciasse a pubblicare album da solista, senza smettere di produrre con artisti come Destiny’s Child, Sean “Puffy” Coombs e Whitney Houston.

Nel 2002, il suo “Under Construction” è diventato l’album rap più venduto da un’artista femminile, con il singolo “Work It” che ha raggiunto il numero 2 della classifica Billboard Hot 100 e ha vinto il video dell’anno di MTV. Continuando la sua carriera come collaboratrice e produttrice, Elliott ha lavorato con artisti del calibro di Mariah Carey, Janet Jackson e Madonna.

È considerata l’artista rap femminile di maggior successo, con cinque Grammy e sei album di platino, e ha ispirato una schiera di donne nell’hip-hop, nella danza e nel R&B.

Lady Gaga

Da quando ha fatto irruzione sulla scena nel 2008, Lady Gaga ha forgiato il suo percorso, ma è sempre sembrata in grado di portarci con sé per il viaggio.

Stefani Joanne Angelina Germanotta, nata a New York nel 1986, ha sempre avuto un’inclinazione teatrale, suonando il pianoforte dall’età di quattro anni e dominando le produzioni musicali del liceo. Il suo breve periodo di studi in teatro musicale alla NYU l’ha aperta alle arti contemporanee e lei ha sviluppato uno stile scenico influenzato dal burlesque e dall’arte performativa d’avanguardia così come dal glam rock, diventando gradualmente più sperimentale e oltraggiosa e sorprendendo i clubbers di Manhattan con…

Allo stesso tempo affinava le sue abilità di cantautrice, assicurandosi un contratto editoriale e scrivendo per Britney Spears, New Kids on the Block, Fergie e The Pussycat Dolls. Alla fine una voce di riferimento che ha registrato per una canzone ha convinto un’etichetta ad assumerla. Il suo debutto, “The Fame” fu un ambizioso concept album, che mescolava dance, disco, glam e R&B, e fu un successo immediato, con “Poker Face” che ha venduto 13,5 milioni di copie fino ad oggi.

Le sue uscite successive sono state, semmai, ancora più avventurose e sono state accompagnate da live spettacolari, costumi esagerati e video spesso provocatori. Eppure, nel 2014, ha collaborato con il leggendario crooner Tony Bennett per l’album “Cheek to Cheek”, una rispettosa collezione di standard jazz e easy listening. I suoi fan hanno seguito fedelmente questo tornante della sua carriera e ne hanno fatto un altro album numero uno. Più recentemente ha ottenuto ammirazione per il suo tributo agli Oscar a Julie Andrews.

In pochi anni, Lady Gaga è diventata una delle musiciste più vendute di tutti i tempi. Sembra particolarmente astuta nel leggere l’umore del momento, avendo particolarmente successo nei mercati digitali, e ha raggiunto il successo finanziario e l’influenza sullo sfondo di un’industria musicale in declino. È anche attiva come filantropa e attivista – una donna rinascimentale del 21° secolo.

Si può pensare a lei come a quella civetta con il vestito di carne, ma non può essere ignorata. Sotto la pelle camaleontica, c’è una vera forza creativa.